211service.com
Mākslu ir brutalizējuši tehnoloģiju giganti. Kā tas var izdzīvot?
Ir divi stāsti, ko dzirdat par mākslinieka iztiku digitālajā laikmetā, un tie ir diametrāli pretēji. Viens nāk no Silīcija ielejas un tās pastiprinātājiem plašsaziņas līdzekļos. Nekad nav bijis labāks laiks būt māksliniekam, tā iet. Ja jums ir klēpjdators, jums ir ierakstu studija. Ja jums ir iPhone, jums ir filmu kamera. GarageBand, Final Cut Pro: visi rīki ir rokas stiepiena attālumā. Un, ja ražošana ir lēta, izplatīšana ir bezmaksas. To sauc par internetu: YouTube, Spotify, Instagram, Kindle Direct Publishing. Ikviens ir mākslinieks; vienkārši pieskarieties savai radošumam un izlieciet savas lietas. Drīz arī jūs varēsit nopelnīt iztiku, darot to, kas jums patīk, tāpat kā visas tās vīrusu zvaigznes, par kurām lasāt.
Otrs stāsts nāk no pašiem māksliniekiem, īpaši mūziķiem, bet arī rakstniekiem, filmu veidotājiem, cilvēkiem, kas nodarbojas ar komēdiju. Protams, jūs varat izlikt savas lietas, bet kurš jums par to maksās? Digitālais saturs ir demonetizēts: mūzika ir bezmaksas, rakstīšana ir bezmaksas, video ir bezmaksas, attēli, kurus ievietojat Facebook vai Instagram, ir bez maksas, jo cilvēki tos var (un dara) vienkārši uzņemt. Ne visi ir mākslinieki. Mākslas veidošana prasa gadiem ilgu centību, un tam ir nepieciešami atbalsta līdzekļi. Ja lietas nemainīsies, liela daļa mākslas pārstās būt ilgtspējīga.
Tomēr cilvēki joprojām veido mākslu. Faktiski vairāk cilvēku nekā jebkad agrāk, kā uzsver tehniķi. Tātad, kā viņiem tas izdodas? Vai jaunie apstākļi ir pieļaujami? Vai tie ir ilgtspējīgi? Ko konkrētā praktiskā izteiksmē nozīmē darboties kā māksliniekam 21. gadsimta ekonomikā?
Būt māksliniekam vienmēr ir bijis grūti, taču ir svarīgi, cik grūti. Kā smags ietekmē to, cik daudz jūs varat darīt savu mākslu, pretstatā slīpēšanai jūsu ikdienas darbā un līdz ar to arī to, cik labi jūs kļūstat. Cik smagi tas ietekmē to, kurš vispirms to dara.
Atšķirība tagad ir tāda, ka tas ir grūti pat tad, ja gūstat panākumus: ja sasniedzat klausītājus vai lasītājus, iemantojat kritiķu un vienaudžu cieņu, pastāvīgi un pilnu slodzi strādājiet šajā jomā. Es par šiem jautājumiem runāju ar Ian MacKaye, hardcore grupu Fugazi un Minor Threat līderi un vadošo figūru indie mūzikas vidē kopš 80. gadu sākuma. Es pazīstu daudzus filmu veidotājus, viņš teica, kuri izlēja savu sirdi un dvēseli un visu savu naudu projektos ilgi pirms interneta, kuri zaudēja savu dupsi, jo nepietiekami daudz cilvēku gribēja redzēt viņu filmu. Un tā tam ir jābūt. Tagad problēma ir tā, ka jūs bieži zaudējat savu dupsi, pat ja pietiekami daudz cilvēku vēlas redzēt jūsu filmu, lasīt jūsu romānu vai klausīties jūsu mūziku.
Ja daudzi no mums ir aizmirsuši par mākslinieku nožēlojamo stāvokli mūsdienu ekonomikā, tam ir acīmredzams iemesls. Tiek veidots ne tikai daudz mākslas; to ir daudz, daudz vairāk par zemākām izmaksām nekā jebkad agrāk. Mākslas patērētājiem tiešām nav bijis labāka laika — vismaz ne tad, ja kvantitāti pielīdzina kvalitātei vai pārāk neuztraucas par darbiniekiem piegādes ķēdes otrā galā. Vispirms mums bija fast food, tad mums bija ātrā mode, tagad mums ir ātrā māksla: ātra mūzika, ātra rakstīšana, ātri video, fotogrāfija, dizains un ilustrācijas, kas izgatavotas lēti un patērētas steigā. Mēs varam piepildīt sevi pēc sirds patikas. Tas, cik barojoši ir šie produkti un cik ilgtspējīgas ir sistēmas, kas tos rada, ir jautājumi, kas mums jāuzdod sev.
Tas, kā mākslinieki saņem atalgojumu (un cik daudz), ietekmē viņu radīto mākslu, mākslu, ko mēs piedzīvojam, mākslu, kas iezīmē mūsu vecumu un veido mūsu apziņu. Tā tas ir bijis vienmēr, un tas nozīmē, ka mēs saņemam vairāk no tā, ko atbalstām, un mazāk no tā, ko neatbalstām. Māksla, kas ir patiesi oriģināla — eksperimentāla, revolucionāra, jauna — vienmēr ir bijusi margināla lieta. Mākslai labvēlīgajos laikos vairāk no tā tiek vilkts pāri dzīvotspējas robežai, kur tas spēj izdzīvot — kur mākslinieks var palikt un turpināt to darīt — līdz to var atpazīt. Sliktos laikos vairāk to velk uz citu pusi. Kādu mākslu mēs sev dāvinām 21. gadsimtā?
Cilvēki, kas maksā par mākslu, ir tie, kas tieši vai citādi nosaka, kas tiek ražots: renesanses mecenāti, 19. gadsimta buržuāziskie teātra apmeklētāji, 20. gadsimta masu skatītāji, valsts un privātās finansēšanas institūcijas, sponsori, kolekcionāri un tā tālāk. . 21. gadsimta ekonomika ir ne tikai izsūkusi daudz naudas no mākslas, bet arī virzījusi to neparedzamā veidā un nekādā ziņā ne visai slikti. Ir radušies jauni finanšu avoti, jo īpaši kolektīvās finansēšanas vietnes; vecie atgriežas, piemēram, tieša privātā aizbildniecība; dažas esošās kļūst stiprākas, piemēram, zīmola māksla un citi korporatīvās sponsorēšanas veidi; citi kļūst vājāki, piemēram, akadēmiskā nodarbinātība. Tas viss arī maina to, kas tiek izgatavots.
Saistīts stāsts
Filozofs apgalvo, ka mākslīgais intelekts nevar būt mākslinieks Radošums ir un vienmēr būs cilvēka darbs.
Internets ļauj bez starpniecības piekļūt auditorijai un māksliniekam. Ja tas apgrūtina profesionālo ražošanu, tas veicina amatieru veidu. Tas dod priekšroku ātrumam, īsumam un atkārtojumiem; novitāte, bet arī atpazīstamība. Tas izceļ elastību, daudzpusību un ekstraversiju. Tas viss (un vēl daudz vairāk) maina arī to, ko mēs domājam par mākslu: maina to, ko mēs uzskatām par labu, maina to, ko mēs uzskatām par mākslu.
Vai pati māksla izdzīvos? Es nedomāju radošumu vai lietu radīšanu — mūzikas atskaņošanu, attēlu zīmēšanu, stāstu stāstīšanu. Mēs tās vienmēr esam darījuši un darīsim. Es domāju īpašu mākslas jēdzienu — Māksla ar lielo burtu A —, kas pastāv tikai kopš 18. gadsimta: māksla kā autonoma nozīmes radīšanas sfēra, kas nav pakārtota vecajām baznīcas un karaļa varām vai jaunajām politikas un tirgus, nepieder nevienai autoritātei, nevienai ideoloģijai un nevienam saimniekam. Ar to domāju atziņu, ka mākslinieka uzdevums nav izklaidēt publiku vai glaimot tās pārliecībai, nevis slavēt kungu, grupu vai sporta dzērienu, bet gan runāt jaunu patiesību. Vai tas izdzīvos?
Ražošana un izplatīšana tagad var būt lēta vai bezmaksas, taču tās nav patiesās mākslas veidošanas izmaksas. Divas galvenās izmaksas ir palikt dzīvam, kamēr jūs to veidojat, un vispirms kļūt par mākslinieku, un tās abas ir pieaugušas.
Izdzīvot galvenokārt nozīmē īres maksa, un vidējā īres maksa Amerikas Savienotajās Valstīs kopš 2000. gada ir pieaugusi par aptuveni 42%, ņemot vērā inflāciju. Tas nozīmē arī pārtiku, apģērbu un transportu. Pievienojiet tam faktu, ka mākslinieki mēdz apvienot nepilna laika ienākumu avotus, no kuriem neviens nesaņem pabalstus, un tas ir apstāklis, kas viņus pat vairāk nekā citus darbiniekus pakļauj arvien pieaugošajām veselības aprūpes izmaksām. Iespēja apgūt un pilnveidot savu amatu nozīmē arī aprīkojumu, piemēram, instrumentus un mākslas piederumus; programmatūra arī nav lēta.
Lai radošais laiks būtu lietderīgs, tam jābūt brīvam no pārtraukumiem. Jums ir nepieciešama telpa, lai iegrimtu transā. Taču pārtraukumi ir neizbēgami uzmanības ekonomikā, kuras centrā ir pašmārketinga, pašreklāmas un pašzīmola trio, kas pārklājas. Tā ir patiesība, tas ir jāsaka, pat ja, stingri ņemot, jūs to nedarāt pats. Pat ja jūs joprojām esat saistīts ar kultūras nozari, jums tas ir jādara daudz. Piemēram, autori tagad efektīvi darbojas kā partneri ar savām izdevējkompānijām mārketinga un publicitātes darbā — man teica viens nozares pārstāvis, un tas, šķiet, ir jāiekļauj avansā. Senos laikos, kad pabeidzāt romānu, Martins Amiss reiz atzīmēja, ka jūs to vienkārši iedevāt un viss.
Džefs Teilers (nevis viņa īstais vārds) bija uzlecošās indie grupas līderis un radošais spēks, kad viņš pilnībā aizgāja no mūzikas, tāpēc viņam bija tik ļoti apnikušas visas viņu izdevniecības izvirzītās reklāmas prasības: saglabāt nemainīgu klātbūtne sociālajos tīklos; lai ievietotu fotoattēlus, videoklipus un mūzikas ierakstus; emuārā par viņu izrādēm; lai uzrunātu, kā arī atbildētu mūzikas žurnālistiem un emuāru autoriem. Viņi nevēlas grupu, viņš man toreiz teica. Viņi vēlas realitātes šovu. Vēlāk viņš teica: es gribēju rakstīt, gribēju domāt, un vēlējos iedziļināties, bet īsti nevarēju, jo mani nepārtraukti sauca uz virsmas. Tomēr nav tā, it kā viņam būtu izvēle, neatkarīgi no tā, ko etiķete būtu vēlējusies, jo jūs tik tikko neskrāpējat profesionāli. Jūs varētu būt populārs, un jums ir fani, taču jums ir nepieciešama visa iespējamā palīdzība. Tātad jūs piekrītat veikt septīto interviju mūzikas emuāram — tas ir 15 gadus vecs puisis bēniņos, [bet viņam], iespējams, ir daudz sekotāju, lai gan tas sabojās jūsu dienu. Teilers vairs nevarēja radīt mūziku. Viņš bija pārāk aizņemts, būdams mūziķis.
Teilers vairs nevarēja radīt mūziku. Viņš bija pārāk aizņemts, būdams mūziķis.
Jums nav jāienīst sociālie mediji, lai tā justos. Ir iespējams būt jaunam, lietpratīgam sociālajā mārketingā un tomēr ļoti pretrunīgi par to. Tā patiešām var būt vairāk norma nekā izņēmums. Ilustratore Lūsija Bellvuda, kas dzimusi 1989. gadā, pastāvīgi darbojas vairākās platformās, un tai ir veiksmīga pieredze Kickstarter un Patreon. Kā izskatās mēģināt izveidot reālu, neaizsargātu cilvēcisku saikni ar 7000 cilvēkiem Twitter profilā? viņa prātoja. Mums tiek lūgts paplašināt jūsu intīmāko draudzību robežas ar svešiniekiem, un šī saikne ir līme, kas satur jūsu fiskālo dzīvi kopā. Un tas man ir gan patiesi maģiski, gan arī pilnīgi biedējoši.
Galvenais fakts par mākslinieka situāciju šobrīd ir tāds, ka nekas vairs nav, kas pasargātu jūs no tirgus. Mākslinieki nepārstāv īpašu ekonomikas dalībnieku veidu, drīzāk viņi pieder savam vecumam. Viņi bija amatnieki, kad amatnieki bija izplatīti; viņi bija profesionāļi profesionāļu laikmetā, un bohēma laikā, kad uzplauka bohēma. Tā tas ir arī 21. gadsimtā. Mēs dzīvojam ekonomiskās atomizācijas laikmetā, laikā, kad arvien vairāk no mums nav profesionāļi, kas ir ilgstoši piesaistīti iestādēm, nav strādnieki, kas ilgstoši piesaistīti darba devējiem, un, Dievs zina, nevis uzņēmēji, bet vienkārši ražotāji: brīvas daļiņas tirgū, atrast, kādu darbu varam par kādu naudu varam, un bez aizsardzības pakļauti tirgus kaprīzēm.
Darbošanās tirgū ieaudzina tirgus personību. Digitālajā laikmetā mākslinieks ir neapšaubāmi ģeniāls, dzīvespriecīgs, draudzīgs. Mākslinieki mūsdienās ir pazīstami, pazemīgi — parasti cilvēki. Viņiem ir jāiesaista sava auditorija, tāpēc viņi ir saistoši. Viņu atbalstītāji meklē viņiem iedvesmu, tāpēc viņi ir iedrošinoši. Viņi ir iepriecinoši un nopietni, bez dusmām un bez malas. Un kas ir šī personība — šī nevainojami noskaņota, smaidoša un kurpju spīduma personība, ja ne komerciāla? Tas ir veikala pārdevēja smaids, pārdevēja sirsnīgs rokasspiediens, jo auditorija tagad ir klientu bāze, un klientam vienmēr ir taisnība.
Tirgi, kad tie darbojas pareizi, ir mehānismi vēlmes signālu pārraidīšanai.
Tirgus, kā to ir mainījis internets, ir arī paātrinājis tradicionālo mākslinieciskās ražošanas tempu. Varam iedomāties, kā šāds klimats ietekmē mākslinieku nervus, nemaz nerunājot par viņu morāli. Ietekme uz mākslu arī ir skaidra. Ironija, sarežģītība un smalkums ir ārā; spēli uzvar īss, gaišs, skaļš un viegli uztverams.
Lieki piebilst, ka internets nav radījis tādu mākslas veidu, kas prasa tīri viscerālāku reakciju vai atsaucas uz zemāko kopsaucēju, vai ir radīts, lai kalpotu tikai vienu dienu. Taču tas piespieda visu uz vieniem un tiem pašiem spēles laukiem, lai konkurētu ar tādiem pašiem nosacījumiem — nosacījumiem, kas ļoti atbalsta šādu darbu. Pirms interneta parādīšanās mēs lasījām romānus grāmatās un stāstus žurnālos, klausījāmies mūziku stereo vai radio, skatījāmies filmas teātros un šovus televizoros, kā arī skatījāmies attēlus muzejos, galerijās vai mākslas grāmatās. Katrai formai bija atsevišķi formāti, un pāreja no vienas uz otru bija salīdzinoši laikietilpīgs (kā arī smadzeņu pielāgošanas) process. Tagad visas veidlapas tiek ievietotas vienuviet, un mēs varam pārslēgties starp tām laikā, kas nepieciešams, lai pieskartos ar pirkstu.
Saistīts stāsts
Es palūdzu saviem skolēniem nodot savus mobilos tālruņus un uzrakstīt par dzīvi bez tiem Lūk, kas viņiem bija jāsaka.Darvina uzmanības derbijs notiek ne tikai starp dažādām mākslām, bet arī tajās. Džeza ieraksts sacenšas ar popdziesmu, New Yorker stāsts ar listicle, indie filma ar YouTube videoklipu. Pirms interneta kāds, kurš lasīja Paris Review, diez vai pēkšņi apstāsies un paņems National Enquirer kopiju. Viņiem tāda nebija, un viņi, iespējams, nekad to pat nebija atvēruši. Taču tagad līdzvērtīga rīcība, kad internets uz visiem laikiem rausta mūsu piedurknes, vienmēr ir nenovēršama iespēja.
Ne tikai visam ir jākonkurē ar visu pārējo, bet visam ir jāsacenšas, punkts. Agrāk viens no galvenajiem veidiem, kā kultūras nozare atbalstīja smalkāku, pārdomātāku vai mākslinieciski vērienīgāku darbu, bija šķērssubsidēšana. Izklaide maksāja par mākslu: trilleris atbalstīja dzeju, popzvaigzne atbalstīja meiteni ar ģitāru, grāvējs pārsteidza mākslas nama nodaļu. Žurnāli un laikraksti paši par sevi bija šķērssubsidēšanas veids, un modes iezīmes vai sporta reportāžas padarīja iespējamu daiļliteratūru vai dziļu izmeklēšanu. Tāpat arī albumi: singls priekšā, radio atskaņošanai; dziļi griezumi mākslai un dvēselei. Bet tagad katrai vannai ir savs dibens. Viss ir atdalīts; katrai dziesmai, katram stāstam, katrai vienībai ir jāmaksā par sevi. Vairs nav dziļu griezumu.
Kad tirgus ir viss, viss tiek iesūkts tirgū.
Mākslas ekonomikas problēmām nav vienas atbildes. Ir tikai daudz daļēju, mazu. Ciktāl ir plašākas atbildes, tās ir pilnībā ārpus mākslas. Lai sakārtotu mākslas ekonomiku, citiem vārdiem sakot, mums ir jāsakārto visa ekonomika. Tas nozīmē, ka vienīgā efektīvā reakcija uz koncentrētās bagātības spēku ir koordinētas darbības spēks, kas mums ir jāorganizē.
Mākslinieki, kā jau paskaidroju, nav tikai strādnieki. Viņi ir arī miniatūri kapitālisti: cilvēki, kas ražo un pārdod savus darbus atklātā tirgū. Šeit viņi patiešām organizējas. Tiek izstrādāts vairāk nekā viens plāns, piemēram, izstrādāt blokķēdes reģistru (tā pati tehnoloģija, kas tiek izmantota kriptovalūtās, piemēram, Bitcoin), lai labotu ieilgušo un īpaši nožēlojamo netaisnību: mākslas tālākpārdošanas honorāra neesamību. Kad kāds nopērk jūsu darbu un pēc 10 gadiem pārdod to, teiksim, par piecas reizes lielāku cenu, jūs neredzat ne santīma, lai gan parasti tā ir jūsu nepārtrauktā produktivitāte — jūsu paveiktā darba vērtība. starpposmā — tas ir atbildīgs par šo novērtējumu. Reģistrs ļautu māksliniekiem saglabāt līdzdalību viņu darbā (tas ir, daļēju īpašumtiesību daļu), parastais piedāvātais skaitlis ir 15%. Vienu versiju izstrādā rakstniece un pedagoģe Eimija Vitekere, sadarbojoties ar citiem; otrs ir Ņujorkā bāzētas aktīvistu organizācijas Working Artists and the Greater Economy darbos. Pēdējais ietvertu arī morālo tiesību kopumu: tiesības uz ieguldījumu darba demonstrēšanā, katru gadu uz pāris mēnešiem to atgūt, bloķēt tā izmantošanu kā finanšu instrumentu. Būtība ir noteikt principu, ka mākslas darbs nav tikai cita prece.
Šādi centieni un priekšlikumi ir apbrīnas vērti. Tie arī nepārprotami nav samērojami ar kopējās problēmas mērogu. Tā nav viņu vaina, un tas nenozīmē, ka viņiem nav vērts to darīt. Problēma sākas ar Giant Tech. Silīcija ieleja kopumā un jo īpaši tehnoloģiju giganti — galvenokārt Google, Facebook un Amazon — ir izstrādājuši plašu un pastāvīgu bagātības nodošanu no radītājiem uz izplatītājiem, no māksliniekiem uz viņiem pašiem. Jo lētāks saturs, jo labāk viņiem, jo viņi mēra plūsmu — skaita mūsu klikšķus un pārdod iegūtos datus — un vēlas, lai šī plūsma būtu pēc iespējas mazāka. Jebkurš reāls risinājums arī jāsāk ar to.
Gandrīz visi, ar kuriem es runāju par šo jautājumu, atbalsta Digitālās tūkstošgades autortiesību likuma, DMCA, pārskatīšanu, kas tika izstrādāts, lai atjauninātu autortiesību likumu digitālajā laikmetā. Kad likums tika pieņemts 1998. gadā, Google bija piecas nedēļas vecs, YouTube vēl neeksistēja, Marks Cukerbergs sāka mācīties vidusskolā, un Napster bija pagājis gads, līdz tas tika uzsākts. Tas nebija paredzēts, lai cīnītos pret pirātismu tādā mērogā, kas gatavojās izvirdumam.
Noņemšanai ir jāpaliek uz leju, lai faili nevarētu atkal tikt atpakaļ uz augšu. Par autortiesību pārkāpumiem būtu jāizveido maza apmēra prasību tiesa, lai atsevišķi mākslinieki, ne tikai plašsaziņas līdzekļu konglomerāti, varētu atļauties celt prasību par zaudējumu atlīdzināšanu. Godīga izmantošana — autortiesību likuma noteikums, kas pieļauj ierobežotus izņēmumus (piemēram, citēšana zinātniskiem nolūkiem vai paraugu ņemšana satīras nolūkos), ko Google un citi nerimstoši ir centušies paplašināt, ir jāsaglabā tradicionālajās robežās. 2019. gadā Eiropas Savienība pieņēma ievērojamu likumu, kā paskaidroja New York Times, kas paredz, ka platformām pirms satura publicēšanas jāparaksta licences līgumi ar mūziķiem, autoriem un citiem, faktiski, lai aktīvi noņemtu tiesības pārkāpjošos materiālus. Salīdzināms noteikums būtu jāievieš Amerikas Savienotajās Valstīs.
Taču šie pasākumi attiecas tikai uz autortiesībām. Lielākā problēma ir mežonīgi nesamērīgās priekšrocības, kas monopola platformām ir cīņā par cenu noteikšanu. Sākumā šī cenu noteikšana bieži ir noslēpumaina. Daudzos gadījumos mēs nezinām, ko platformas maksā, jo tām nav mums par to jāpaziņo. Tāpēc mūzikas straumēšanas tarifi (0,44 centi vietnē Spotify, 0,07 centi vietnē YouTube) ir tikai minējums, tāpat kā maksa par lapu, ko Amazon maksā, izmantojot Kindle Unlimited (tā Spotify par e-grāmatām). Māksliniekiem pat trūkst informācijas, par ko vienoties: proti, cik daudz naudas paņem pakalpojumi. Cik, piemēram, ģenerē Kindle Unlimited? Amazon nerunā. Un pat ja mums būtu šī informācija, maz ticams, ka platformas pat risinātu sarunas. Filmas veidotāja Elena Seidlere man teica, ka tas, kas viņu patiešām traucē, ir tas, ka neviens nevēlas nākt pie galda no otras puses. Tā vietā, viņa teica, mākslinieki ir tikuši zaimoti diezgan orķestrētā veidā. Mūsu balsis ir apslāpētas. Tas ir Dāvids pret Goliātu.
Mazāk skaidrs ir tas, ko var darīt, lai taisnīgāk sadalītu daudzus miljardus dolāru, ko turpina radīt demonetizēts saturs, lai atgūtu naudu, ko tehnoloģiju monopoli ir atņēmuši. Strādniekiem ir atļauts organizēties par lielāku algu. Kad ražotāji sadarbojas, lai noteiktu cenas — pat iedomājoties, ka šeit kaut kas tāds bija iespējams, ņemot vērā to, cik neticami izkliedēta šobrīd ir satura veidošana —, to sauc par slepenu vienošanos, un tā ir nelikumīga. Arī valdība nevar noteikt cenas, lieki piebilst.
Taču ir viena lieta, ko valdība var darīt — un, kā cilvēki pēdējā laikā arvien vairāk sāk saprast, tas noteikti ir jādara. Tai ir jāsagrauj šie monopoli. Jau tagad notiek virzības šajā virzienā. 2019. gadā federālā valdība uzsāka pretmonopola izmeklēšanu četros no lielajiem pieciniekiem, Tieslietu ministrijai izskatot uzņēmumus Google un Apple un Federālajai tirdzniecības komisijai uzņemoties atbildību par Amazon un Facebook. Pārstāvju palātas Tiesu komiteja arī paziņoja par plāniem sākt izmeklēšanu. Tajā pašā gadā Augstākā tiesa, pieņemot lēmumu par tiesas prāvu par Apple App Store, norādīja uz vēlmi pārskatīt savu pieeju pretmonopola likumam, kas bija sen nokavēts. [Kopš šīs grāmatas izdošanas abi Valsts un federālā Pret Google ir ierosinātas pretmonopola tiesas prāvas.] Šādus centienus savaldīt tehnoloģiju virsotnes, žurnālistes Karas Švīšeres frāzi, nedrīkst izjaukt no sliedēm. Tehnoloģiju monopolu pilnvaras neievērot likumus, diktēt noteikumus, apslāpēt konkurenci, kontrolēt debates, veidot likumdošanu, noteikt cenu — tas viss izriet tieši no to lieluma, bagātības un dominējošā stāvokļa tirgū. Viņi ir pārāk lieli, pārāk bagāti un pārāk spēcīgi. Un mums tas ir jāpadara, pirms nav par vēlu.
Māksla, kā mēdz teikt, ir ekosistēmas . Tas nozīmē, ka lielie talanti ar saviem ilgstošajiem, transformējošajiem sasniegumiem nenokrīt no debesīm, ka viņu parādīšanās ir atkarīga no daudziem citiem indivīdiem: bērnības skolotājiem, agrīniem mentoriem, konkurentiem un līdzstrādniekiem mūža garumā, kuriem visiem ir jābūt ceļā. lai nopelnītu arī savu naudu. Tas nozīmē, ka institūcijas (vietējais klubs, teātris ar 99 sēdvietām, neatkarīgais leibls un neatkarīgā prese) var izdzīvot tikai ar kritisku mākslinieku masu, kas apkalpo, kas savukārt paļaujas uz institūcijām. Tas nozīmē, ka pat maziem vai viduvējiem projektiem ir sava vērtība, jo tie sniedz radītājiem pieredzi un varbūt arī algu, lai viņi varētu palikt un strādāt vēl vienu dienu. Tas nozīmē, ka mākslinieki nevar darīt savu darbu, ja to nevar arī citi: apgaismojuma tehniķis, kopiju redaktors, cilvēks, kurš glabā grāmatas vai pārbauda mēteļus vai pārdod alu. Tas nozīmē, ka mākslinieki sadzīvo tīklos, palīdzot viens otram atrast darbu, lētas telpas, iespējas, bet tikai tik ilgi, kamēr viņi spēj palikt mākslā.
Iestādēm trīcot un sabrūkot, profesionāļi visā pasaulē zaudē savu autonomiju, cieņu un vietu.
Taču visas kopienas ir ekosistēmas, ne tikai māksla. Arī plašākā ekonomiskajā ekosistēmā vaļi kļūst resnāki, izbadējot planktonu. Konsolidācija uz monopolu tagad skar gandrīz visas nozares, un tas ir galvenais algu samazināšanās cēlonis. Tendence uz slikti apmaksātu līgumdarbu — koncertdarbu, gabaldarbu, pagaidu darbu — ir gandrīz visuresoša. Iestādēm trīcot un sabrūkot, profesionāļi visā pasaulē zaudē savu autonomiju, cieņu un vietu. Bagātība visur virzās uz augšu, un visur pazūd vidusšķira.
Daži cilvēki, ar kuriem es runāju, uzskata, ka risinājums mākslai ir labāks publiskais finansējums. Citi uzskata, ka mums ir vajadzīgi vispārēji pamata ienākumi. Šīs abas var būt labas idejas, bet es nedomāju, ka tās atrisinātu problēmu. Jūs vēlaties, lai tirgū būtu balsojums, jo jūs vēlaties, lai sabiedrība balsotu. Patiesībā jūs vēlaties, lai sabiedrībai būtu lielākā daļa balsu.
Tirgi, kad tie darbojas pareizi, ir mehānismi, lai pārraidītu vēlmes signālus — vienkāršāk sakot, lai pateiktu to, ko vēlamies. Mēs nevēlamies, lai māksla tiktu nošķirta no tā, atdalīta no tautas gaumes; lai birokrāti mākslas finansēšanas padomēs pasaka, ko vēlēties. Taču tirgiem ir jādarbojas pareizi. Universālie pamata ienākumi man šķiet nepareiza atbilde uz pareizo jautājumu. Jā, mums ir jāieliek nauda cilvēku kabatās, bet labāk to darīt organiski, nevis vienkārši ar fiat — labāk to darīt, citiem vārdiem sakot, atjaunojot visu ekosistēmu, atjaunojot vidusšķiru. Tas nozīmētu atcelt lielu daļu no tā, ko darījām, lai sasniegtu šo mērķi: monopolu izjaukšanu; minimālās algas paaugstināšana; gadu desmitiem ilgo nodokļu samazinājumu apvēršana; bezmaksas vai zemu izmaksu augstākās izglītības atjaunošana; atkal dodot darbiniekiem iespēju organizēties, nevis pastāvīgi traucējot viņiem. Tas nozīmētu arī to likumu un noteikumu atjaunināšanu, kas izstrādāti pagājušajai ekonomikai, lai atspoguļotu to, kas faktiski pastāv: acīmredzami, paplašinot garantijas veidus, kas tiek nodrošināti pilnas slodzes darbiniekiem — veselības un citus pabalstus, aizsardzību pret diskrimināciju un uzmākšanos, tiesības. iesaistīties kolektīvās sarunās — pieaugošajai koncertstrādnieku un līgumstrādnieku armijai. Jums nav jābūt uzvarētājam, lai nebūtu zaudētājs.
Fragments no Viljama Deresēviča filmas MĀKSLINIEKA NĀVE: Kā radītāji cīnās, lai izdzīvotu miljardieru un lielo tehnoloģiju laikmetā. Publicēja Henrijs Holts un uzņēmums 2020. gada jūlijā. Autortiesības 2020 ir William Deresiewicz. Visas tiesības aizsargātas.